강운이 그리는 형상과 색들은 이원적이지만 중의적이고 이내 합일을 이루어 궁극에는 자신에게로 다시 돌아온다. 작가의 시선은 구름이나 물방울, 공기와 같이 항상성보다는 가변적인 연약한 대상에 머물러 있으며 상처나 아픈 기억들이 작가로부터 출발하여 이러한 대상들에 투사되고 종내는 관조와 사유, 치유의 방식으로 되돌아오기 때문이다. 그러므로 그의 회화에서 추상화(抽象化)의 과정은 대상을 파악하기 위한 권력적인 로고스로부터가 아니라 가장 여린 모습으로 오랜 시간에 걸쳐 대상에 잠기면서 점차 자신의 몸에 물들어가는 타자와의 관계 속에서 일어난다. 이번 전시에 출품된 <파랑> 연작은 여수의 장도라는 섬에서 진행된 레지던스기간 동안에 그려진 것이다. 이 연작은 3백여 개의 섬으로 둘러싸인 여수 바다의 색인 동시에 날씨와 바람에 따라 파도가 일고 포말을 튕기며 천태만상의 형상으로 변화하는 모습을 하나의 붓으로 그린 점이나 획이 점차 번져나가는 기법으로 그려낸 추상화이다.

신 도 원  Shin, Do-won

 신도원의 <자연생성기>는 인간과 자연의 관계에 대해 오랫동안 몇 겹의 드로잉으로 그려왔으며 컴퓨터를 이용하여 3D 미디어회화로 변환시킨 뒤 미디어아트로 완성시켰다. 구름 생성기, 코끼리, 로봇토끼, 식물이나 알 수 없는 기호와 텍스트 등이 그려진 그의 평면 드로잉은 1초에 30여 작품이 유영하듯 입체적으로 구현된다. 매우 거친 선으로 그려진 형상들은 마치 카오스적인 세계에서 이제 하나씩 생성되고 있는 듯한 원시성을 표현하고 있으며, 인간과 비인간이 평등하게 공존하고 있는 문명 이전의 순수한 생태계를 보여준다.

자연 생성기, media art, 3840x1920, 2024(부분1)

 임 남 진  Lim, Nam-jin

 임남진의 <연서, 戀書>, <오래된 편지>, <든 자리 난 자리> 연작들은 그녀를 널리 알려지게 했던 세밀한 불화형식의 풍속화 시리즈 이후 추상형식으로 큰 변화를 일으키며 최근에 제작된 추상 작품들이다. 특히 시리즈는 그녀가 감로탱화에서 보여준 삶의 끝없는 이야기를 이 고스란히 접은 상징적인 쪽지 안에 감춘 채 비단 바탕에 은은하게 스며드는 분채나 주, 녹청, 군청의 깊이를 가진 채색의 색면기법으로 대체된 추상화이다. 그녀는 자신의 추상화에 대해 “지나간 시간과 사연들이 얽히고설켜서 가장 밑바닥에 놓인 나의 마음을 다스리는 것이며, 본질적인 것을 찾아내려는 욕망의 행위이다.”라고 말한다.

연서, 100x100, 한지에 채색, 2024

정 정 주  Jeong, Jeong-ju

 정정주는 건축의 창과 파사드, 기둥, 계단 등의 구조물을 통해 만들어지는 빛의 움직임과 형태를 입체적인 빛의 구조로 추상화하여 시각과 응시의 관계로부터 빚어지는 소외나 갈등과 같은 인간의 심리적 요소부터 초월적 존재인 숭고에 이르기까지 그 실재와 상징적 의미에 대해 천착하고 있는 작가이다. 는 led의 인공 빛이 직교하며 만들어내는 색으로 빛나는 별의 형태를 가지고 있지만 동시에 차갑고 견고한 금속 바리케이트의 이미지를 통해 첨예한 이데올로기의 갈등을 떠오르게 한다. 또한 풍부한 자연과 태양으로 가득한 남도의 색으로 채워진 빛은 역사의 상처와 갈등을 미적 아름다움으로 승화하고 있다.

metaphysical star, 스테인리스 스틸, LED조명, 가변설치, 2021

정 송 규  Jung, Song-kyu

 정송규의 추상화는 조각보로부터 시작되었으며 오랜 조형적 실험을 거친 후에 오방색의 색면들이 단색조의 색면이나 편린으로 쪼개져서 기하학적 요소인 작은 점으로 변화되었다. 처음에는 색면 속에 어머니의 초상이나 장독대 같은 형상들을 품었으나 점차 미니멀한 추상형식으로 변화되었다. 흑백 도트로 이루어진 후기 추상화에서는 수묵화처럼 넉넉한 여백이 존재하며 엄격한 가부장적 제도 속에서 살아남아 호남지역 1세대 여성 추상작가로서 어렵게 뿌리를 내린 작가 내면의 강한 기조와 자유로운 환희의 감정이 내포되어 있다.

Delight - 없는 것이 있는 것이다(부분1), 캔버스에 유채, 200x134cm, 2015

Delight - 없는 것이 있는 것이다(부분 2), 캔버스에 유채, 200x134cm, 2015

Delight - 그리움, 캔버스에 유채, 200x137cm, 2015

조 영 대  Cho, Yung-dae

 조영대의 회화는 어머니의 보자기를 모티브로 그려졌다는 점에서 추상화이면서 동시에 정물화라는 독특한 특성을 가지고 있다. 작가는 자신의 추상회화에 보자기라는 정물의 특성을 표현하기 위해 모란디 (Giorgio Morrand)의 정물화를 오랫동안 연구했으며, 선과 색과 빛이 여백과 함께 어떤 방식으로 대상의 자연스러움을 만들어내는가에 집중하였다. 그 결과 그의 <어머니의 보자기>라는 추상화는 적당한 마띠에르가 있는 그림의 표면과 물감을 계속해서 쌓아올려 형성되는 두께를 지닌 입체적 특성을 지니게 되었다. 또한 어머니의 보자기에 표현된 선과 색면은 그가 이전에 풍경화나 들꽃을 그릴 때와 마찬가지로 인상파적인 빛과의 관계 속에서 나온 것들인데 이러한 사실은 추상이 인상파에 나타난 빛의 거친 입자 덩어리로부터 시작되었다는 원론적인 회화의 역사를 상기시킨다. 그리고 <어머니의 보자기-선>시리즈는 단색조 바탕에 그림의 표면을 도구로 깊게 파내면서 형성되는 수직의 서정적인 선들이 달리고 있는데 이것은 바탕에 깔려 있는 깊이가 검은색 혹은 푸른색으로 표면 위로 올라온 것들이다. 두터운 물감의 깊은 바탕으로부터 살갗으로 올라오는 선의 본질은 모든 인간의 그리움과 슬픔의 원천이자 근원인 모성성을 나타내고 있다.

어머니의 보자기, Oil on canvas, 125x125cm, 2021~2024 (4)

어머니의 보자기, Oil on canvas, 125x125cm, 2021~2024(8)

어머니의 보자기-선8, Oil on canvas, 66x66cm, 2021~2024

어머니의 보자기-선9 Oil on canvas, 66x66cm, 2021~2024